某日観劇録

大学や短大以外だとどんなもんなんだろうかと、なんか思いつきで調べました。心当たりで見つかったのは4つです。

・文学座附属演劇研修所

本科1年、研修科2年の3年制です。ただし本科から研修科の間で選考があります。役者としてまずは必要な演技と、和事の知識を本科で詰めこんで、いけそうな人間だけを研修科で鍛える、というスタイルでしょうか。演出家を常に複数抱える文学座なだけに、演出部や制作部もあるみたいですが、そちらの詳細は載っていません。

月曜日から土曜日まで週6日ですが、10時30分から14時までの昼間部、18時から21時30分までの夜間部に分かれます。応募資格は18歳以上で経験不問。費用は入所金7万円、授業料年間24万円（1期6万円x4期）、実習費年間22万円（ただし演出部と制作部は免除）です。

・新国立劇場演劇研修所

役者特化の3年制です。2年次までは研修、3年次で発表です。いろいろな授業が用意されていますが、今の目で見ると、演技を学ぶ感じではありませんね。脚本が求める声を出せるような身体の使い方を学ぶために、カリキュラムが組まれているように読めます。それが演技だろと言われたらその通りなのですが。

月曜日から金曜日まで週5日、10時から18時です。応募資格は満18才以上、満30才以下。費用は授業料が年間237,600円、ただし3年次は年額118,800円です。特筆は2年次以降に奨学金月額60,000円支給があり得ることですが、条件不明です（全員だったような気もしますが、失念）。

・座・公演時劇場創造アカデミー

基礎課程1年、専門課程1年の2年制です（講義聴講に特化したコールもあり）。1年目は共通で、2年目は必修科目以外に、役者と演出と劇場環境とで一部がわかれるスタイルです。役者以外に劇場環境というコースが目新しいです。

月曜日から金曜日まで週5日、10時から15時です。応募資格は見つけられませんでした。費用は入学金5万円、受講料年間30万円です。杉並区民だと1年目の受講料20%免除もあります。

・宝塚音楽学校

未だにわかっていませんが、宝塚歌劇団のための育成学校が宝塚音楽学校、でいいのかな。さすがにしっかり組まれています。予科1年、本科1年の2年制です。発声はボイストレーニングがありますが、他に声楽と合唱があります。他では必須の日本古典も、日本舞踊はやっても能狂言はなくて、その分をバレエとモダンダンスに充てています。ピアノや譜読みまで入っています。唄って踊れる基礎を2年でがっちり仕込む、演技は最低限だけやって後は歌劇団で、という強い意志を感じるカリキュラムです。女性ばかりの劇団で花の盛りに技術を間に合わせるという都合もあるのでしょう。高卒資格取得のための授業があるのも、若年から入学する生徒向けの特徴です。

月曜日から土曜日まで、9時から、日によって16時20分または18時05分まであります。応募資格は16歳から20歳まで。費用は入学費用48万円、授業料月額5万円の2年間120万円、他に修学旅行積立金や教材購入費など。さらに通学できない生徒は入寮必須で寮費が月額1万5千円です。

とりあえず4つの紹介ここまで。

こうやって並べてみると、歌劇団という出口がはっきりしているとはいえ、宝塚は異色です。他は何もない人間に一から教える想定ですが、宝塚のカリキュラムを何もない人間が2年でこなして身に付けられるとは思えません。バレエでもピアノでも、何かしらはやってきた家庭の子女が対象のように読めます。実際そうでないとインプットが追いつかないのでしょう。費用もなんだかんだで2年で200万円を超えますが、2年で最低限、ものになってもらうための環境と関係者の費用という現実面、冷やかし防止面、両面で設けたハードルかと思います。

なら他のカリキュラムなら身に着くのかよと言われたら言葉に詰まります。が、他は出口がはっきりしていない代わりに、人生の長期戦として戦うための基礎を身に付けさせようとしているように読めます。そこは関係者のキャリアも関わっているのでしょう。いろいろ苦労して生き延びてきた経験が、これを早期に身に付けさせたいというカリキュラムになったのかなと想像します。人生経験も影響する職業ですし。

ところで、とりあえず役者に絞ってどこがいいのかと聞かれても、困りますね。今は活躍する有名人と同じ場所で学んで同じことが身に着くかといったらそんなこともなく、しかも活躍どころか生活が保証されているわけでもないのが役者です。さらに合う合わないの相性の問題もあります。趣味の習い事でも講師との相性が出てくるのに、表現系の職業だったらなおさらです。これはもう、本人が自分で調べてどうにかするしかありません。最後は運です。

ただ、かれこれ見比べると、初心者が演技に結びつけるための発声と身体の基礎を習得するだけで、だいたい丸2年は必要という目安は共通認識だと読取れます。そこをセンスで最初からできる人がいて、凡人には困ります。そのセンスある人は例外とすれば、熟練の講師陣が長年の経験に基づくカリキュラムを試行錯誤した結果、だいたいそのくらいは必要なのでしょう。

こういう話題を書くと劇場すごろくガーって騒ぐ人が来ますけど、そういう人は置いておきます。単に流れが出来て、しかも別れていやしないか、という話です。もともと大手の松竹東宝阪急は外します。

・下北沢小規模系

どこかの小さい劇場から、駅前劇場、ザ・スズナリあたりで上演する層です。ただ、ここから本多劇場まで行く団体が最近は少ない。

・老舗劇団系

本多劇場でたまに上演しつつ、演出家がシアターコクーンに呼ばれる層を想定しています。が、最近はあまりいませんね。ナイロン100℃、大人計画（ウーマンリブ含む）に、M&O Playの上演で岩松了や倉持裕が絡むくらいでしょうか。

・民間ストレートプレイプロデュース系

シアターコクーン、世田谷パブリックシアター、東京芸術劇場プレイハウス、新国立劇場中劇場、が射程で上演する層です。シス・カンパニーやホリプロ、あとはTBS以外のテレビ局関係のプロデュースなどです。PARCOが外の劇場でプロデュースする場合もここですね。

昔だとサンシャイン劇場も入ったと思いますが、今は2.5次元芝居が多いイメージがあります。

・こまばアゴラ劇場系

他に吉祥寺シアターとか、三鷹星のホールとか、東京芸術劇場のシアターイーストとウエストとか、神奈川芸術劇場の大スタジオとか、こまばアゴラ劇場以外は似た規模の公共劇場をぐるぐる廻る層です。こまばアゴラ劇場系と便宜上書きましたが、娯楽志向より表現志向が強い団体ですね。ここから規模を上げない団体が最近は目立ちます。

・公共劇場自前系

新国立劇場の小劇場、世田谷パブリックシアターのシアタートラム、神奈川芸術劇場の大スタジオ、あたりです。それぞれ中劇場、世田谷パブリックシアター、ホール、の大規模にはあまり手を出したがりません。こまばアゴラ劇場系か次の新劇系から演出家が起用されやすいイメージがあります。

・新劇系

自前の拠点で上演しつつ、たまに紀伊国屋ホールやサザンシアターで上演しています。あとはツアー。

・民間ミュージカルプロデュース系

スターを呼んで上演する層です。赤坂ACTシアター、東京建物BrilliaHall、IHIステージアラウンド東京が3大劇場です。ミュージカルが多く、劇団☆新感線もここに乗っています。

最後の民間ミュージカルプロデュース系は松竹東宝阪急に準ずるから外していいと思います。残りの系統を大雑把に、民間劇場系（下北沢小規模系、老舗劇団系、民間ストレートプレイプロデュース系）と公共劇場系（こまばアゴラ劇場系、公共劇場自前系、新劇系）に別れているように見える、というのがこのエントリーの趣旨です。娯楽系と表現系と分けてもいいかもしれません。公共劇場の興隆で後者が育ってきました。

昔はもう少し本多劇場と紀伊国屋ホールの上演団体が近いイメージがありましたけど、最近はあまりかすりませんね。いまいろいろな種類の団体が上演している劇場はどこだと聞かれたら、東京芸術劇場のシアターイーストとウエストではないかと答えます。手ごろな規模の劇場を持ちつつ、野田秀樹の影響でだいぶ変わりました。

そして紀伊国屋ホールや本多劇場で上演する団体が増えていない気がします。今もあるかわかりませんが、昔はどんなに人気があっても本多劇場初回の団体には4日しか貸さないルールがあって、それでキャラメルボックスは縁を切ったと読んだことがあります。

ただ、今は紀伊国屋ホールも本多劇場も、400人規模の劇場に手を出す団体自体が減って、両者とも上演団体の新陳代謝が出来ていない印象が強いです。本多劇場だと新規常連団体はヨーロッパ企画くらいでしょうか。その、昔なら400人規模の劇場に手を出した団体が今はどこにいるかというと、こまばアゴラ劇場系の規模、200人前後の劇場でたむろしています。

1公演の集客が1万人を超えたあたりが（収入と支出のバランスで）一番きつい、とはこれもキャラメルボックスの話で読みました。1か月4週末で25ステージを上演するとちょうど1万人です。団体の上演だけで食っていくことを目指すのでなければ、劇場の規模はそのままにロングランして、あとは他の上演なり映像の仕事なりに出演するのが安定するんだろうな、とは想像がつきます。

ところで今の芸術監督には下北沢系から老舗劇団系を辿った出身者が結構な割合を占めています。野田秀樹、松尾スズキ、長塚圭史ですね。新国立劇場は小川絵梨子という海外系の突然変異の芸術監督になったのが例外で、もともと新劇系です。串田和美や佐藤信の自由劇場出身者も俳優座出身だから新劇系と言えます。平田オリザはもちろんこまばアゴラ劇場系です。野村萬斎は古典畑の人、近藤良平はダンス畑の人ですね。

この多様性が保てているのがよいのですが、ここから下北沢系の出身者がいなくなった場合、どこから芸術監督を充てることになるのでしょう。新劇系は長年運営されている大所帯で演出することで、老舗集団ならではの経験が積めるのでしょう。それが下北沢系の場合、そこでとどまって老舗劇団系のキャリアを踏めていない場合、芸術監督が務まるのか微妙なところです。こまばアゴラ劇場系でとどまっている場合も同様です。

もともと劇場すごろくと呼ばれるくらい一本道しかなかったところに、別の選択肢が出てきたことは素晴らしいかもしれませんが、いいこともあれば悪いこともあるでしょう。以前なら民間劇場系の団体は、ある程度売れたら押し出される形で老舗系に進出せざるを得なかったところ、そのパスから外れられるようになった。個別の団体視点では喜ばしいことですが、「業界」の人材育成がどうなるか。私の趣味の範囲に偏った範囲ですが、要観察です。

これを取上げたつもりで取上げていませんでした。やや古いですがステージナタリーより。

近藤良平が、2021年4月から埼玉・彩の国さいたま芸術劇場の次期芸術監督を務めることが発表された。

これは、近藤がコンドルズやハンドルズとして、埼玉県の芸術文化に貢献してきたことから決定されたもの。近藤は2022年4月の芸術監督就任に先立ち、今年4月1日から次期芸術監督として、2022年度以降の主催事業の方向性や年間ラインナップの策定、劇場運営全般の助言・提案にあたる。なお、近藤は、蜷川幸雄前芸術監督の後を継いでの就任となる。

臨時に後を務めていた吉田鋼太郎は、一部中断はあったものの、シェイクスピア上演が全シリーズ目途がついたことで退くようにもともと約束していたのでしょう。

そして近藤良平。芝居っ気のある人ですが、ダンサーでありダンスカンパニーの主催者なので、今後は芝居よりもダンスに舵を切っていくという劇場の意思表明だと理解しました。

そう考えると、4月に発表されたさいたまネクスト・シアターの解散も流れに沿っています。同じくステージナタリーより。

さいたまネクスト・シアターの最終公演が、8月5日から15日まで埼玉・彩の国さいたま芸術劇場 小ホールで行われる。

さいたまネクスト・シアターは、次代を担う若手俳優の育成を目的に、2009年に蜷川幸雄が立ち上げた若手演劇集団。平均年齢34歳、1期生から4期生までの14名が携わる本公演では、ほろびての細川洋平の書き下ろしを岩松了の演出で上演する。

さいたまゴールド・シアターは役者の年齢が年齢なので続けてもあと10年でしょうが、若い役者を抱えておくのは難しいからいっそ解散という流れです。というか、平均年齢34歳はもう若くないですね。

人気実力意思の3拍子が揃った蜷川幸雄がいたからこその体勢だったのだなと改めて思います。

「大学オーケストラの危機」と題したブログを見つけました。ここでいう「運営」は演劇だと「制作」に当たると理解しています。

全てではないにせよ、多くの大学オーケストラにおいてこのような状況がある。このことを踏まえたうえで、1年ないしは2年にわたり活動および演奏会を封じられると何が起こるのか。簡潔に書けば、「1年間ストップすると次世代の運営が途端に難しくなる」「2年間ストップすると、長い歴史を持っている団ですら、ほぼ白紙に戻る。」ということ。
（中略）
まとめてみよう。2020年に演奏会ができなかった場合、2021年現在の団はどういう状態でスタートすることになっているかというと、「演奏会を運営した経験がある学生はほぼゼロ（あるいは4年生に僅かいるか？）」「定期演奏会のステージで演奏したことがあるのは3年生,4年生のみ」という状態なのだ。

次いで、もしも2021年の演奏会まで出来なくなったとすると、2022年の団はどうなるか。「演奏会を運営した経験がある学生はほぼゼロ」「定期演奏会のステージで演奏したことがあるのは4年生の代のみ（ただし演奏当時1年生）」「3年生：運営はおろか、3年間練習自体十分にできていない／2年生：2年間ほぼ練習できていない／1年生：入ったばかり」という布陣で回していくことになる。

つまり活動の蓄積がほとんど初期化されたに等しい！！！最初に掲げた前提条件の場合、長い伝統を持つ大学オーケストラであっても大体同様の現象が起こるのではないだろうか。2年連続で定期演奏会が開催できないということは、団の歴史をリセットしてしまうぐらい大きなインパクトがあることなのだ。そして、一度途切れたものを再興するのには膨大な時間がかかることは言うまでもない。

高校までと大学とでまた違うとは思いますが、とりあえず大学に絞って。大学の学生演劇の危機とかあるんでしょうか。個人的には制作については危機はないと想像します。学生演劇なら、授業をさぼって頑張れば何とかなる規模だろうという推測からです。

このブログに「＜再掲載＞芝居の費用を計算する」というエントリーがあります。コンスタントにアクセスされています。新型コロナウィルスで上演できなくなったらさすがにアクセスはなくなるかなと予想していたのですが、減りこそすれなくなりません。そもそも零細ブログなので全体のアクセス数が少ないのですが、その中でも相変わらず毎月のアクセス上位に登場します。

あとはそのエントリー先にもありますが、fringeが演劇制作ノウハウをたくさん書いています。たくさんありすぎて何から読めばいいのかわからないくらいです。いまそのトップページには「演劇に関わることをあきらめないで」という特集ページへのリンクが載っていますが、このブログのアクセス感触だと「この状況でもまだやりたいやつがいるよ」です。なので制作ノウハウは、途切れても復活すると思います。

個人的にはスタッフ業務が気になります。オーケストラ演奏はその点ほとんどホール任せでよいのではと想像します。演劇の場合はスタッフワークも演出のうちで、機材の扱いもあれば手配もあるし、安全性に関わるものもあります。ノウハウが途切れるとしたらこちらだと思います。

まあ途切れたとしても、客の前を役者が横切ればそれで演劇なので、そのうち復活するとは思います。しぶといですね演劇。

学生演劇の危機について誰か調べたりしていないかな、と思って調べずにこのエントリーは終わります。

<2021年5月30日(日)昼>

恐山でイタコ見習いを続けて50年、明日の試験で見習いから卒業することを目指すイタコ見習のもとに、珍しく指名が入ったと思ったらダブルブッキング。しかも憑依してほしい死者が客に勝手に憑依する始末。よく見たら片方は高校の同級生。恐山に来た理由を尋ねるうちにもう一人の客が逃げてしまう。

国や自治体の要請と、出演者の体調不良と、両方による公演中止の可能性を考えていたのでスケジュール初期で観劇。休憩なしで2時間5分。言葉遊びで展開を飛ばしていく、いかにも野田秀樹な新作だった。何も考えないで芝居単体に集中すると最後にきれいに締まった芝居で、4回目のカーテンコールでスタンディングオベーション。ただ個人的には、開幕1週間でまだ仕上がっていないというか、熱量不足というか。加えてメタな話を想像すると、うーん、という感想。

先にスタッフワークに触れておくと、ど安定。コロスも含めて衣装が好き。ただ、舞台上を横切る幕を使って早替えするのだけど、間に合っていなくて舞台中央で幕がスローダウンする。あれは幕の長さを倍にしてでも同じ速度で横切ってほしい。幕がワイヤーを伝う音と姿は一定速度を保ってほしい。それと効果音が重なって川平慈英の台詞が聞こえないところはタイミングを打合せてほしい。

で、ネタバレしない範囲で分析。分析というのもおこがましいですね。妄想です。こじらせた客の感想なのであまり気にしないでください。

野田秀樹にしては珍しく、はっきりとしたメッセージを台詞で伝えていました。観れば誰でもわかるし、物語単体としては単純だけど最高の台詞です。ではそのメッセージは、劇中では橋爪功演じる役に向けられていたけど、芝居のメッセージとしては誰に向けられていたか。客ではない、世間でもない、同業者に向けたメッセージだと私は受取りました。不要不急と言われて委縮した同業者に対する、野田秀樹からのメッセージです。そのメッセージのために「あの話」を持ってきて、芝居としてつなげてしまうのが野田秀樹の才能です。

ただ、この1年間、散々「業界」批判をしてきた身としては、先に芝居ではなく素の言葉によるメッセージを野田秀樹に期待したかったです。それを飛ばして芝居によるメッセージを選んだんだ、というのがひとつ。

そしてキャスティング。メッセージを受ける役に橋爪功を置いたのですが、おそらく今回の出演者の中で一番ふてぶてしい、メッセージなんかなくてもどうってことはないという人だと想像します。白石加代子も、ふてぶてしいとはいいませんが、世間の風には追い風も向かい風もあらあなと知っている人だと想像します。

翻ってメッセージを伝える側の高橋一生。丁寧すぎて線が細くなってしまいました。とりあえずもっと声を張ってほしい。そしてメッセージを補強する立場に前田敦子を置いたのは、アイドルとして活躍した経験に加えて「私のことは嫌いでも、AKBのことは嫌いにならないでください」と言ってのけた舞台度胸を買ってのことだと想像します。が、これがいまいち効いていませんでした。不慣れな野田芝居のさらに新作でポジションをまだ見つけられていないのか、私生活のごたごたが続いているのか、理由は不明です。

ただこの2名が頑張ったとして、それだけで良くなる感じがしません。全体に絵が共有されていない印象があって、その場合は仕上がり不足。あるいは、出演者たちがそもそもメッセージを信じられていないから弱く見えるのであれば、その場合は熱量不足。いつもだともう少し野田秀樹の出番が多くて、それで台詞のスピードや声量がノってくるのですけど、今回は最初の登場場面までが結構長くて、出番も限られています。それで全体の展開が遅くなったのも一因かと考えます。

こんなこと書きましたけど、よくできた芝居ですよ。繰返しますが、こじらせた客のこじらせた感想なので、あまり信用しないでください。白石加代子と村岡希美はとてもよかったです。

新型コロナウィルス対策メモ。驚くほど簡素。入場口は4列用意。手首検温だけ済ませたら、チケットを見せて自分でもぎり。アルコール消毒は入った後に置いてあるので自分で任意で行なう形。普段は閉めている、入って右側の屋外テラス部分を飲食場所として開放。来場者登録は入って右側にあるも任意。スタッフはマスクとフェイスガード。アナウンスに加えて会話しないでくださいのメッセージボードを持って注意喚起（ただそれでも客席はざわついていた）。最後はエリアを区切っての整列退場。

あと最後に、今回センターブロックは2階席最後方までS席という話を見かけたのですけど、A席がどこだかわかる人がいたら教えてください。観やすいし見切れもないだろうからS席と言われればそんなもんかとも思いますが、それにしたってねえ、ということで。

<2021年5月31日(月)追記>

2日前の公演で白石加代子の台詞がすっぽ抜けていたらしい（ネタバレありブログより）。そういえばカーテンコールではける時に川平慈英がエスコートしていました。今回もっと公演後半で観たほうがいいのかな。

4月23日分はメモしていたのですが、その後を忘れていました。今回は2021年5月28日に発表された、6月1日から6月20日までの対応です。

大元は内閣官房のPDFにあります。

・催物・イベントは、人数上限5000人・収容率50％
・21時までの開催要請・大規模集客施設に対する20時までの時短要請

で、東京都が発表した分もあります。改行は適当です。

●規模要件等に沿った施設の使用を要請（人数上限5,000人かつ収容率50％以内）（法第24条第9項）

●営業時間短縮を要請（法第24条第9項）

○イベント開催の場合は、
　　 →5時から21時までの営業時間短縮を要請

○イベント開催以外の場合は、
　 ・1,000平方メートル超の施設
　　 →5時から20時までの営業時間短縮を要請
　 ・1,000平方メートル以下の施設
　　 →5時から20時までの営業時間短縮の協力依頼

○映画館については、
　 ・1,000平方メートル超の施設
　　 →5時から21時までの営業時間短縮を要請
　 ・1,000平方メートル以下の施設
　　 →5時から21時までの営業時間短縮の協力依頼

●入場整理等の実施を要請（法第45条第2項）

●施設での飲酒につながる酒類提供及びカラオケ設備使用の自粛要請（法第24条第9項）

●利用者による施設内への酒類の持込を認めないことを要請（法第24条第9項）

すっかり見落としていましたけど、5月12日から5月31日までの延長分もあって、そちらと同じです。大多数の劇場は、終演21時までで、客席半分で、酒類の販売や持込を禁止、の条件です。

ちなみに東京都は「【6月1日から6月20日まで】お問い合わせの多い施設一覧」というPDFを合せて用意していました。「うちの店（施設、イベント、などなど）はどうすればいいのか」と問合せがよっぽど多かったのでしょう。劇場はもともと法律に定義されているからその点は迷わないで済みます。書かれている内容は同じです。

4月に比べると、発表から中1日だったのが中3日、施行日が日曜日から平日になって、だいぶ優しくなりました。

ステージナタリーより。

東京・東急百貨店本店の所在地である渋谷区道玄坂2丁目24番地の開発に伴い、東京・Bunkamuraが2023年4月から長期休館することがわかった。

この開発計画は、東急とL Catterton Real Estate、東急百貨店の3社がパートナーシップを結び、推進していくもの。東急百貨店とBunkamuraが一体化することにより、日本を代表するワールドクラスクオリティの施設を、渋谷エリアに創出することを目指す。東急百貨店本店の建物解体工事は2023年春以降に開始予定。また、Bunkamuraでも大規模改修工事が実施される。

Bunkamuraは、1989年に開館した複合文化施設。Bunkamuraは、Bunkamura オーチャードホール、Bunkamura シアターコクーン、Bunkamura ル・シネマ、Bunkamura ザ・ミュージアムをはじめとする複数の文化施設を併せ持っている。

百貨店が解体なのは確定として、Bunkamuraは改修で済むのでしょうか。昔は気が付きませんでしたけど、いくつも出来た新しい劇場と比べると、施設全体がゆったり作られていることに気が付きます。バブル時代の余裕がいい方向で発揮された例です。

オーチャードホールは一度行ったかどうかくらいでほとんどわかりませんが、シアターコクーンのロビーもゆったりしています。そこまで広いわけではありませんが、1階のロビーの形が幅広い長方形で取られていることは見逃せません。それにロビー内外の一体感もあるため、来場時には何となくそこまでロビー感があります。客席数に対して中二階への階段の幅が広いのもいいですね。

中二階（それとも二階でしたっけ）からも松濤側に出られることによる避難経路の多重化も地震の心配が開館当時よりも大きくなった今となっては見逃せません。場所効率を極限まで追求した新しい民間劇場が持てなかった余裕です。

男性用トイレは数が多いのでいつも並ばずに済みます。あれもすばらしい。足りないものは他の劇場と同じく行列ができる女性用トイレの数くらいでしょうか。

シアターコクーンの前の吹抜けなんて、雨の日には手すりを超えて入り込んでくるし、地下のカフェエリアは屋外席直撃です。雨が降ったらそういうものだ、くらいの思い込みが施主と設計者にないとあの設計はできません。通路の幅とか、吹抜けとか、まったく金にならないところに割いた余裕があの雰囲気です。

うっかりすると吹抜けや松濤側出入口を潰しての場所効率追求とかされてしまいそうです。できればあの余裕は生かして、設備改修で済んでほしいです。

七月歌舞伎の演目が発表されました。三部制で、第二部に白鸚の「身替座禅」と、吉右衛門の「御存 鈴ヶ森」が組まれています。吉右衛門の復帰に合せて、できるうちに兄弟出演を組んでおこうとの意図だと思います。無事に上演できたらめでたいことです。

ところで第三部の海老蔵の「雷神不動北山櫻」です。第一部と第二部が7月4日から7月29日まで、通常通りの1か月公演のところ、7月16日までの半月公演になっています。せめて18日の日曜日まで組めばよいものを、なんとも中途半端です。

ありそうな話として、海老蔵がオリンピックの開幕に何か絡んでいるため、直前1週間の予定を空けているということです。ただ、中途半端です。それなら出演を前後の月にずらせばよいでしょうに、これみよがしに7月に組むのが解せません。

それに絡んで妄想です。海老蔵は休演日その他で松竹と喧嘩していたとどこかで読みました。週刊新潮の記事だったかな。それがあってかどうか、新型コロナウィルスで流れた襲名披露公演以降、ここまで一度も歌舞伎座に出ていません。梨園で受けが悪いというゴシップ記事も何度か出ています。襲名披露の演目や出演者もギリギリまで決まらなかったと記憶しています。ありていに言えば干されています。

そこで松竹が、七月だったら空いているけどオリンピックに出るから無理だよねー、と吹っ掛けて、途中まででいいのでお願いしますと海老蔵が頭を下げた。あるいは、オリンピックの開幕に起用する歌舞伎役者が歌舞伎座に出ていないのは格好がつかないと電通あたりが奔走して、七月だったら譲ったる、と松竹が渋々譲歩した。

妄想ですよ妄想。でも、今の歌舞伎座は座席半数の公演で、収支ぎりぎりのはずです。公演期間が長いほうが美術や衣装の費用もステージ単価を下げられるでしょうに、こんな中途半端な公演を組む余裕はないはずです。妄想しないとこんな中途半端な公演にした理由が思いつきません。

そこからさらに妄想です。オリンピックの開幕演出が、もともとMIKIKO演出だったのにいろいろあって、演出家交代になった騒動は記憶に新しいです。その時の演出案が「AKIRA」を元にした演出だったことはすでにばらされています。なので同じ案を手直しして使うわけにはいきません。

七月歌舞伎で上演予定の「雷神不動北山櫻」は、海老蔵が一人複数役をこなす演目のようです。なのでもし海老蔵がオリンピックの開幕で何かを務めるとしたら、早替わりで何かをこなす役割だと妄想します。

オリンピックが開催されないと答え合せはできませんが、妄想するだけならどこにも実害はありませんので、書くだけ書いておきます。

新型コロナウィルス以降、このブログでは文化や芸術を批判的に取上げてきました。何とかこの言葉を使わないで済むようにしたい。ところであらためて、文化や芸術とは何だろうかと考えたら、これは範囲が広くて手に負えるものではありません。Wikipediaの「文化」には以下のようにありました。

文化（ぶんか、ラテン語: cultura）にはいくつかの定義が存在するが、総じていうと人間が社会の構成員として獲得する多数の振る舞いの全体のことである。社会組織（年齢別グループ、地域社会、血縁組織などを含む）ごとに固有の文化があるとされ、組織の成員になるということは、その文化を身につける（身体化）ということでもある。人は同時に複数の組織に所属することが可能であり、異なる組織に共通する文化が存在することもある。もっとも文化は、次の意味で使われることも多い。

ハイカルチャーのように洗練された生活様式
ポップカルチャーのような大衆的な生活様式
伝統的な行為

なお、日本語の「文化」という語は坪内逍遥によるものとされている。

こんなところに坪内逍遥が出てくるとは思いませんでした。シェイクスピア以外にもいろいろ翻訳している。

それはさておき、もう少し具体的に定義されている情報が何かないかと考えて、文化庁のホームページを見てみました。それらしいページを探して「1．文化芸術振興の意義」を見つけました。

文化芸術は，最も広義の「文化」と捉えれば，人間の自然との関わりや風土の中で生まれ，育ち，身に付けていく立ち居振る舞いや，衣食住をはじめとする暮らし，生活様式，価値観など，およそ人間と人間の生活に関わる総体を意味する。他方で，「人間が理想を実現していくための精神活動及びその成果」という視点で捉えると，その意義については，次のように整理できる。
（略）

意義ではなく、このページで呼ぶところの文化芸術を定義してほしいのですが、なかなか上手くいきません。そこで思いついて、文化庁の組織図を見てみました。食文化や文化観光も文化庁の対象なんだ、という発見もありますが、寄道してはいけません。これによると今は9課4参事官で以下の構成です。カバーする分野に対して定員294人は少ないですね。3倍くらいいると思っていました。契約社員などもそれなりにいるのでしょう。

・政策課（会計室、文化政策調査研究室）
・企画調整課
・文化経済・国際課（国際文化交流室）
・国語課（地域日本語教育推進室）
・著作権課（国際著作権室、著作物流通推進室）
・文化資源活用課（文化遺産国際協力室）
・文化財第一課
・文化財第二課
・宗務課
・参事官（文化創造担当）
・参事官（芸術文化担当）
・参事官（食文化担当）
・参事官（文化観光担当）

今回の目的だと「参事官（芸術文化担当）」あたりが対象になりそうです。そこで芸術文化のページを調べると、このような記載が見つかりました。

　音楽，演劇，舞踊，映画，アニメーション，マンガ等の芸術文化は，人々に感動や生きる喜びをもたらして人生を豊かにするものであると同時に，社会全体を活性化する上で大きな力となるものであり，その果たす役割は極めて重要です。
　文化庁では，我が国の芸術文化を振興するため，音楽，映画，舞踊等の舞台芸術創造活動への支援，若手をはじめとする芸術家の育成，子供の文化芸術体験の充実，地域の芸術文化活動への支援，文化庁メディア芸術祭の開催をはじめとした映画やアニメーション，マンガ等のメディア芸術の振興等に取り組んでいます。

なるほど、と思いつつ、絵画や彫刻などはどこに含まれるのだろうと調べたら、文化財の紹介ページがあり、「有形文化財（建造物）」「有形文化財（美術工芸品）」「無形文化財」「民俗文化財記念物」「文化的景観」「伝統的建造物群保存地区」が挙げられていました。そこから有形文化財（美術工芸品）のページに飛ぶと、以下の記述があります。

　建造物，絵画，彫刻，工芸品，書跡，典籍，古文書，考古資料，歴史資料などの有形の文化的所産で，我が国にとって歴史上，芸術上，学術上価値の高いものを総称して有形文化財と呼んでいます。このうち，建造物以外のものを総称して「美術工芸品」と呼んでいます。

つまり、我々が何となく狭義に芸術と呼んでいる範囲から、有形文化財となる建造物と美術工芸品を除いたものが、芸術文化とみなされます。具体例は先に引用した通り「音楽，演劇，舞踊，映画，アニメーション，マンガ等の芸術文化」です。

ただ、これは具体例であって、定義と呼ぶには微妙です。もう一度引用します。

　音楽，演劇，舞踊，映画，アニメーション，マンガ等の芸術文化は，人々に感動や生きる喜びをもたらして人生を豊かにするものであると同時に，社会全体を活性化する上で大きな力となるものであり，その果たす役割は極めて重要です。

役割は書いてありますが、定義としては曖昧です。最初は美術工芸品を作品系、芸術文化を表現系と区分できるかと考えました。でも、美術工芸品で表現する作家もいれば、映画やアニメやマンガは作品と呼べます。ならは表現系に代わって上演系はどうかと思いましたが、記録されて購入や配信されるものを上演系も違和感があります。なによりマンガを含めにくい。実演系とメディア系で分けられないかとも思いましたが、音楽と映画が場合によってどちらの区分にも含まれうるので、それも難しいです。

なので、鑑賞時間という区分を考えてみました。「最初から最後まで鑑賞するのに、鑑賞側に一定の時間を要する作品分野」を文化庁流の芸術文化と呼ぶ、ですね。文化庁の記述で色付けするならこうです。

「鑑賞に一定の時間を要する分野の作品のうち、人々に感動や生きる喜びをもたらして人生を豊かにするものであると同時に、社会全体を活性化する上で大きな力となる価値の高いものを総称して、芸術文化と呼ぶ」

書いてみて、まだ違和感があります。「芸術文化」という大括りな言葉に対してです。なぜかと考えるに、美術工芸品なら「品」が対象なのに、こちらは「文化」が対象となっています。大きさが合いません。

これは芝居を考えると想像がつきます。上演されるまで仕上がりがわからないものを文化庁が支援するときに、「品」が対象では支援ができません。なので「文化」を支援するという建付けをそこはかとなく表した言葉になっているのでしょう。文化庁の組織では、大まかに「育成と振興」が目的の部署と、「保護と継承」が目的の部署とがあり、「育成と振興」が目的の部署なら、それはもう組織の都合なのでしょうがないですね

でもここでは定義を問題にしていますので「品」を付けましょう。ただ、メディアで定着するものと、上演したら一過性のものとがありますので、「作品」と呼ぶほうが良さそうです。あと、芸術という言葉は一般的には美術工芸品などを含みますから、使わないほうが無難です。

あと、作品と関係者や業界を混同しないように定義しておきたいです。単に文化と呼ぶと、俺が文化だとか言い出す人が出てきてややこしくなります。

それで直すとこうなります。やや強引ですがしょうがないです。

「鑑賞に一定の時間を要する分野の作品を総称して、鑑賞作品と呼ぶ。そのうち、人々に感動や生きる喜びをもたらして人生を豊かにするものであると同時に、社会全体を活性化する上で大きな力となる価値の高いものを総称して、文化作品と呼ぶ。鑑賞作品の製作から鑑賞可能な状態を提供するまでの一連の作業に携わる関係者の仕事を総称して、鑑賞業界と呼ぶ」

価値は誰が判断するんだって話ですが、何事も上中下があらあな、としかいえません。美術工芸品だって上中下があるので。私は、文化や芸術という言葉が濫用されることを制限したいので、ひとまずこの定義でよいと考えます。自分の中で整理がついたのですっきりしました。

補足です。文化庁のホームページを読んでいて、「芸術文化」の一区分にメディア芸術のページがあり、ゲームがここに含まれていました。将来、独立した扱いになると予想します。

そして文化庁のホームページを読んでいて見つからなかったのが小説です。今回の私の定義に従えば鑑賞作品に含まれます。「芸術文化」の具体例にマンガはあっても小説の記述がありません。「著作権課」があり、著作権のページがあるので書籍出版関係はそちらと縁が深いのかなと想像しますが、文化庁内の区分がどうなっているのか、気になります。

庵野秀明の言葉として「謎に包まれたものを喜ぶ人が少なくなってきてる」を見かけました。NHKの「プロフェッショナルの流儀」での発言らしいです。NHKもシン・エヴァンゲリオンも観ていませんが、気になったので検索したら、考察している人のTwitterがひっかかりました。リンクは一連のスレッドに張ります。

多英子
@0000taeko
庵野監督の「謎に包まれたものを喜ぶ人が少なくなってきてる」って言葉にめちゃくちゃ同意してしまった。
エヴァはそういうものとして定着してるから世界観の説明不足込みで歓迎されて受け入れられたけど、一般的にはもう「解らないもの＝面白くないもの」として切り捨てられる時代が来てる。
午前8:37 ・ 2021年3月23日

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twitterでは考察文化が健在だけど、普通の人は解らないものをいちいち考えたりしないし読み解こうとしないし寄り添おうとしない。
シン・エヴァ見て一番明確に違いを感じた部分がそこ。謎を謎のまま終わらせず開示する。特にキャラクターの内面が詳細に語られ、明確な回答を得られた。

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シン・エヴァ、設定や展開は相変わらずぼんやり察するしかないんだけど、これまで語られなかった『キャラクター達が何を考えてどう動いていたか』って部分が（Ｑを含め）明確に言語化されてて…　今までより親切というか、視聴者に物語を伝える気がある映画だったし、ちゃんと商業作品だった。

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鬼滅と比べると面白い。

TV版エヴァが社会現象になった時代と、鬼滅が社会現象になってる今では、視聴者の質や大衆が求めるものが違う。

「解らないのを読み解く」ことが魅力だったエヴァと、難解さが排除され丁寧に言語化されてるから何も考えなくても理解でき誤読ができない鬼滅。

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少し前まで、最終話付近で唐突に世界観大きくして超スピードで振り落とすオリジナルアニメ作品って多かったけど、今はすごく減ってるというか、流行ってない。
『理解できない→理解できるまで考える→面白い！』って時代から、『理解できない＝面白くない』って時代になっちゃった。

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個人的に自分が「シン・エヴァすごいな」と思ったのは、宮崎さんや高畑さんみたいに「言わなくても伝わる」（と思い込んで）視聴者に丸投げするスタイルを通すんじゃなく、時代に寄せてある程度しっかり言語化し、理解までの筋道を引いて、視聴者と対話しようとしたこと。

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庵野監督の世代やエヴァ古参勢と、今の若いオタク層（自分含む）では、難しい作品を読解しようとする熱量も、そもそもの知識量も全く違う。
「あんまり説明しすぎても…」じゃないんだよな。
伝えたいことがあるなら、伝わるように表現しないと、マジで伝わらない。

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私自身は考察するにも見るのも好きだし、考えて楽しむタイプのアニメは好きだけど…
今の世の中、何も考えずに楽しめるエンタメが溢れてるから、「理解できない＝面白くない」と思うのも仕方ない。

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シン・エヴァは、なにを求めて見たかによって満足度が違いそう。

エヴァのことを知りたくて、解答や理解や結末を求めた人は楽しめるだろうけど、「エヴァらしいもの（わけが解らないのに魅力的なもの）」を求めた人は「こんなのエヴァじゃない！」って思うかもしれない。

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若年層の貧困も関係あるのかな。
ずっと不景気で夢も希望も無く生きるのに必死だと、そもそも１作品にどっぷり浸る心の余裕は無い。
そういう人達がエンタメに求めるのは、手っ取り早く日常生活の鬱憤を晴らす、解りやすい「爽快感」や「癒し」だろうし。

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エヴァが時代に合わないという話ではない。むしろエヴァはどんな時代でも絶対刺さる層がいる強い作品だと思う。
ただ、シン・エヴァのアプローチがこれまでと少し違ったのは確かで、25年の歴史を背負いながらも、現代のエンタメとして成立させようとしてたのが印象的だったという、個人の感想です。

元ネタを観ていなくてもわかる、明晰な考察です。だからこそコメントしたい。

「一般的にはもう『解らないもの＝面白くないもの』として切り捨てられる時代が来てる」とありますが、昔も今も同じだと考えます。面白そうと思えばこそ、客は店まで足を運んで自腹で金を払います。客は面白いものを見つける嗅覚より先に、わからないものをスルーする能力を身に付けています。わからないけど面白そうなんて例外ですし、わからないけど面白かったなんて例外中の例外です。

だから、わからないと判断する人の数が、一時期増えていたけど旧に戻ったと理解したほうがおそらく正しいです。前提として、昔は暇な若者が多かったから絶対数があるていど多かったのが、少子化で人数が減って、分母が減ったのは抑えておく必要があります。

そしてその中で、多少の増減はあっても「わからなさそうだから手を出さない」人と「最後まで観たけどわからないし面白くなかった」人の割合は、そんなに変わらないのではないでしょうか。

それでもなお「謎に包まれたものを喜ぶ人が少なくなってきてる」としたら、それはなぜか。たぶん、この喜ぶ人は「謎を知ることに楽しみを覚える人」と「謎の解を知っていることに価値を見出す人」の2種類の人種が混ざっているのだと思います。

このうち、特に後者の人数は減ったのではないでしょうか。謎の解を知っていることの価値が暴落して、自慢にならなくなったからだと考えます。インターネットが発達したので、検索してすぐにわかる解は自慢になりません。

いやいや、やっぱり「謎を知ることに楽しみを覚える人」が人口減以上に減ったんだよと反論されたらどうするか。趣味が分散されたと私は仮定します。

謎を知る楽しみには時間が必要です。そこに時間を費やせる人は、昔も今も少数派ではないでしょうか。昔は万人に手が届く趣味として小説やアニメに比較的集中していたそれらの人が、趣味の多様化に伴って別の分野に移った。結果、娯楽として純粋に鑑賞する人が増えた。

誤解のないように書きますが、小説やアニメを娯楽として楽しむ人も、別の分野では知るスタイルで楽しんでいる人も多いでしょう。スポーツに打ちこんでトレーニング方法や道具や作戦について調べる人もいれば、旅行した先が気に入って名所や歴史を調べる人もいれば、食べ歩きが高じて自分で料理を研究する人もいるでしょう。

小説やアニメは不要不急です。なんならスポーツも旅行も食べ歩きも不要不急です。不要不急を娯楽として過ごすなんて王道中の王道の楽しみ方です。そこに謎は求めないのが普通です。

話は変わって。

エヴァンゲリオンは、初代のテレビ放送だけ、話題になっていたので再放送だかなんだかで観たことがあります。ほとんど覚えていませんが、最後に「僕はここにいていいんだ」と主人公が気が付いて終わるのを観て、演劇っぽいラストだな、と納得してそれっきりになってしまいました。それを見た後に、キャラ推しとは別に、あの場面は何それが引用元で、というのを見かけたときに、そんなこと気にするんだと思ったことを覚えています。

エヴァンゲリオンは、少なくとも初代テレビの範囲で、主人公の心情には一応の結末をつけていました。登場人物たちに（当時の感覚で）共感できる要素も散りばめられていたと記憶しています。なんだかんだいって、エヴァンゲリオンが流行った理由の一つはキャラ描写がよくできていたからだと私は考えます。謎しかなかったら、駄作扱いされていたはずです。謎を喜べるものには、謎ではない要素も用意されてバランスが取られているのが普通です。

以前「文芸性とエンタメ性とわかりやすさに心を砕くことについて」というエントリーで、こんなことを書きました。

で、何でも芝居にひきつけて書くこのブログとしては、芝居ってわかりづらさを売りにしているなと思いました。いや慣れてくるとある程度隠されている情報を自分でつなげることができて、そのときの感動は目の前で直接説明されることよりもっと大きい感動につながることは知っています。それは芝居でも小説でも変わりません。

でもそれは他にもっとわかりやすいものがたくさんある中に混ざってこそ輝くというか、わかりにくいものがメインになって間口が狭く敷居が高くなるのは業界にとって不幸だと思うのですよ。
（略）
もうひとつ、ここで困るのは、単なるバカ騒ぎを求めているのではないということです。そこを伝えられるような表現がないかというのはたまに考えるのですが、なかなか思いつきません。理想は、誰が観ても面白く、わかる人がみるとニヤニヤできるものです。

今回の話題に沿って「そこを伝えられるような表現」を思いつきました。求めているのは、謎ではなく、わかりづらさでもなく、奥深さです。そしてわかりやすさと奥深さとは両立し得るものです。両立のキーワードは情報の「選択」「密度」「順序」だと思いますが、それはまだ説明できないので省略します。

謎に包まれたものやわかりづらいものが売りになったのであれば、周りがわかりやすさを売りにしてくれていたおかげだと思います。周りに関係なく本当に売りになっていたのだとしたら、その時代のほうが特殊です。小説でもマンガでもアニメでも映画でも芝居でも、昔も今も、わかりやすさと奥深さの両立が求められるのだと考えます。芝居の役割だと、脚本と同じくらい、演出に力量が求められるようになってきたというか。

最後に。「伝えたいことがあるなら、伝わるように表現しないと、マジで伝わらない。」については、これはNHKの元番組やシン・エヴァンゲリオンを観ていないとわからない感覚がありそうです。ただ、「リアリティーより説得力」という本谷有希子の言葉を載せておきます。伝わるように表現することと伝えたことに説得力を持たせることとは別ですよね、というコメントです。